旅行总能让人收获非同寻常的感受，而那些稍纵即逝的感受则可能成为你创作的灵感，如果你把那灵感抓住了，哪怕只是写了一篇日记，那也是令人充实愉快的——旅行的关键在于把自己置身于一个陌生之地。而去图书馆探宝看书也具有类似的体验，因为图书馆和家里毕竟不同，而图书馆也是个看书的好场所——这一点和熙熙攘攘的书店也不同。
九月十日（上周日）这天的下午，我们和报名参加活动的朋友们在国家图书馆的院落里按照约定的时间碰面。大部分朋友是第一次来国图看书，而我们则悄然变成了引导他们办卡找书的向导。
虽然我们知道，一下午的时间其实看不了多少书，不过贪婪战胜了理智，我们借来了许多心中存有问号的摄影书，先搂一眼，满足个好奇心吧。
国图下午5点关门，我们在被轰出来之后还开了个小型讨论会，分享了一下彼此的感受和收获。嗯，充实而愉快的一下午。
接下来，我们把几位参与活动的朋友写的读后感贴出来，每个人都有不同的收获。（排名不分先后）
Stephen Shore《American Surfaces》读后感
文/VALkao
《American Surfaces》有两点吸引着我：一是照片用 35mm 便携相机拍摄，往后无论是 Stephen Shore 自己的《Uncommon Places》，还是在同一脉络下的 Joel Sternfeld 和 Alec Soth 等，都转用了大画幅；第二点是照片数量大且都是彩色快照风格，我觉得在手机摄影、短视频和直播流行的当下，这样的对比会挺有意思的。
曾经后悔没能充分利用学校图书馆。现在网上的资源少而且经常看的不过瘾。这次没想到能在国图借阅到这本书，真挺令人意外的。
整本书的份量很足，共有 312 张照片，排版并不是常规一页一图，而是一页上下两张排列，有种翻阅家庭相册的感觉。照片的大小也和冲洗出来的相册照片尺寸类似。翻阅时并不是一张接着一张顺序浏览，而是几张照片会同时先印入脑海中，有点像是对着贴满便利贴和明信片的冰箱门。最初展览这些照片时便是将它们全部贴在墙上，我想象这种体验会更加震撼。想法做成正规书的模式，加上拥有这样厚度的装订，会对翻阅的节奏会有些许阻碍。
这些照片似乎不存在一个起承转合的叙事结构。唯一的线索只是地点，是这个版本特意添加，好让人按图索骥。对于美国地理不熟的我而言，暂时没有很大的作用。当然我可以想象穿梭在中国不同省份之间，不同的地域肯定会存在着异同。这些地名和照片一定可以串联成一幅七十年代美国的面貌。
但是，这些照片作为一个整体体现的公路旅行的自由，更另我印象深刻。根据 Shore 的自述，他在驾驶中第一次体验到身为一个「探险者」（explorer）的自由：「我只要钻进一辆车，钱包里带着一张信用卡，就可以一直开，开上一整天。」这不禁让我联想起如今手机支付、滴滴打车和高铁提速的年代。他认为开车是一种冥想的状态，精神平静，集中精神观察窗外经过的世界。浏览这些照片的过程也存在着类似的体验。
同样他的记录方式也十分需要集中精神。他记录下旅程中遇见的每个城镇、每条街、每个人、吃过的每一餐、甚至睡过每张床和去过每个厕所。书中的序言将这种记录的观念追溯至 Andy Warhol 和同时代观念艺术的发展，而我也联想起似乎同一时期兴起的纯客观的观察型纪录片，和同样受 Andy Warhol 影响的森山大道。这样一种孜孜不倦的记录似乎体现了 70 年代的时代精神。
这些照片的记录都极其普通、日常和「不讲究」。数码时代，人人都能用手机拍照以及拍摄视频，没有什么是没有被拍摄或无法拍摄的，但我们似乎仍然无法对我们自己时代的「快照」习以为常。它可能就是直接用手机拍下来的照片。比如我也会拍所谓「日常」，但还是会再调整，去模仿 Shore 这个时代快照的胶片风格；手机拍的照片如果不加个滤镜则不敢公之于众。 Stephen Shore 只用几张厕所的照片，便深深震撼了我自以为是记录的「日常」。
关于诸多疑虑
文/林家赓
1.关于读画册
目前关于画册的疑虑是这样的，最近一阵我都产生了读图焦虑，或者是读图“焦躁”，我目前的观点是当今时代的图片只是摄影的副产品，一位大师的图片对于你是没有用的，甚至有时对于你是吞噬性的，我可能现在的观点有些极端，我认为摄影画册是给爱好者看的，因为太多的图片，太过符号化的大师的图片视角会摧毁一个摄影师个人的感觉。
我现阶段的想法是不去看过多的摄影师的图片，将自己处于传统摄影图片的真空环境中，对于摄影师的态度我是这样的，我尽量多的关注他们的artistic statement，想法等等，同时尽量将眼光放远，多关注其他艺术门类，甚至是科技技术类科目上。过一段时间再看结果，也许这样不进行图片输入的方式是行不通的，但是至少还有时间，还能尝试。
2.关于摄影学习
最近听到很多言论说摄影不需要学，我曾经也有过这样的疑虑，但是现在这个观点并不是我的疑虑。
关于为什么摄影不需要学的论点是如何产生我认为来自于摄影技术化的简化，门槛的降低化，但是让我们仔细想想绘画需要学吗?音乐需要学吗？跳舞需要学吗？所有的艺术门类都要学吗？其实你说绘画音乐门槛高，什么高？无非是技术门槛高，这些东西难道不是摄影里的器材技术，拍摄技术，后期技术吗？
我想说所有职业做到一个级别都是具有相同难度的，我以一个世俗化或不恰当的例子来解释，一个学摄影的人和一个学电影的人他们分别达到wolfgang和诺兰的地步（指思想或者说作品？不是太了解电影举了一个电影作品最近很火的例子）的难度是一样的，当然这样的解释过于片面，不是所有人做摄影的目的都是一样的。我想说既然如今摄影的技术已经简化，那么它更给予了我们别的媒介所没有的，更多的解放于技术的时间。具体这些时间要去干什么，就会涉及到摄影是什么，能做什么的问题上，不再展开讨论。
偶遇仓田：街头故事
文/Eriica
印象深刻的是仓田精二的街拍集《日本》，画册不大但很厚，里面所有的黑白照片都撑满纸张，翻起来像过幻灯片，特别适合快速阅读。拍摄手法上都是闪光灯，没有什么花哨的视觉游戏，但是能看得出作者拍摄的过程非常深入，投入很多心血。
故事都发生在夜晚，全都由人组成。在书里仓田精二按章节集中展现了东京街头妓女、黑帮、政客、暴走族、跨性别者等群体的生活，感觉就在东京街上走，遇到一个人就展开一段故事。画面给我感觉特别激烈——太过瘾了，让我想起weegee的犯罪现场照片，看得人血往头上涌，也想去街上狂放地走一遭，当然了是去拍照的。在一些初步的印象之后，也是在街头游荡到后半夜的时候，故事进入了卧室、警车或者灵堂，人们展现出另一种乖张或严肃的姿态，非常有意思。
很多视角都像是平时你走在街上，眼角余光瞄到的场景，那画面肯定是聚焦于视野的局部的，画面构成上具有动势和不稳定感。代入感很强。之前完全不了解这个摄影师，后来查了一下发现是森山大道的学生。相比之下仓田精二的照片更加直接，而且真的拍人拍得特别有生命力。
很开心参加这次读书会，在结识新伙伴的同时也结识新的好作品。
读日本名人摄影有感
文/白叨叨
看了滨谷浩的《学艺诸家》非常喜欢，拍摄的是日本学术和艺术界的名人肖像。早先也看过林忠彦拍的日本文学家肖像。感觉如果把两人的作品混淆起来也难以分清楚是谁拍的，照片都很好的把握住被摄者的身份气质，无论摄影师是谁，都首先感觉到的是被摄者的魅力。曾读过几个日本文学家的书，对他们的肖像倍感亲切与惟妙惟肖。对于人像摄影，能把摄影师本身风格淡化，真诚还原被摄者，实属不易。
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